Luciano Buchmann

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O ENSINO DA ARTE NA CONTEMPORANEIDADE

Uma das marcas da pedagogia no século XX foi a valorização da criatividade. Respaldada no pensamento dos pedagogos progressistas, de Froebel a Montessori e Delacroly, em reformadores escolares e filósofos da educação, de
Rudolf Steiner a John Deway, baseou seus programas na convicção da criatividade como sendo o melhor ponto de partida para a educação (DUVE, 2003, p.94).
A criatividade era uma regra, e o conceito de arte como expressão tornou-se forte, levando a educação artística ao pensamento do "livre fazer". A expressão era parte do espírito criativo, que não poderia ser cortada, invadida, tolida ou contaminada. Como disse Thyerry de Duve, "uma criança e um primitivo tinham mais criatividade do que um adulto desenvolvido", pela idéia de pureza ligada à infância ou à cultura não evoluída.
A colocação de Thierry de Duve, sobre o estudante de arte ideal e o artista do futuro ideal: "ser idealizado como um infante cujas habilidades naturais de ler e escrever o mundo visual precisavam, apenas, ser corretamente monitoradas" complementa a idéia (2003, p.94).
Essas idéias de pureza, de um novo início e de progresso, foram convertidas em mecanismos educativos (EFLAND, 2003).
Ao tomar uma abordagem sociocultural da obra de arte por um viés da educação pós-moderna, a função do ensino da arte continua sendo aquela definida por Arthur Efland como a construção da realidade, como sempre foi (2003, p.124), mas tendo como principal objetivo fazer com que estudantes entendam os mundos sociais e culturais em que vivem, uma vez que "a arte é uma forma de produção cultural destinada a criar símbolos de uma realidade comum" (p.125-126).
O ensino da arte na contemporaneidade, com base no pensamento pósmoderno, propõe incluir o ensino das artes não eruditas, pertencentes a camadas populares da sociedade, juntamente com as reflexões de poder que as legitimam,

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compreendendo essas expressões como